Le chorégraphe belge Sidi Larbi Cherkaoui a affirmé en l'espace d'une quinzaine d'années la force d'une oeuvre protéiforme au carrefour de la danse, du théâtre et de la musique live. L'Anversois aux racines marocaines a fait de ses origines métissées le fer de lance d'une pensée flexible du monde.

Revendiquant son identité, Sidi Larbi Cherkaoui hisse la différence et les blessures intimes en fondamentaux d'une danse existentielle. Mû par un désir increvable d'adhérer à l'autre pour mieux le comprendre, il multiplie les collaborations : son plateau accueille toutes les danses (kathak, kuchipudi, flamenco, tango...), toutes les musiques, toutes les cultures à travers des pièces aux accents de rituels contemporains.

Ce livre-parcours donne la parole à ses principaux partenaires de jeu. Tous disent sa rage d'apprendre, son appétit pour l'autre, son plaisir à danser et à transmettre.

Chacun d'entre nous entretient sa propre définition du cirque, totale ou imparfaite, forcément imprégnée par des souvenirs lointains et la rencontre émerveillée avec les fantômes de Gelsomina et Zampano...

Itinérant, fugace, coloré, bruyant, éblouissant, magique, un cirque, c'est à la fois un lieu et un spectacle. C'est un monde singulier où les mots rêver, étonner ou surprendre suffisent à qualifier les émotions qu'il suscite. Mais c'est aussi un univers en perpétuel renouvellement, un territoire du spectacle vivant, souvent méconnu, dont les racines plongent aux mêmes sources que celles de l'humanité.

Le cirque, ça ne s'improvise pas. Le cirque, ça se construit, pas à pas, pour constituer un monde d'exigences et de contraintes, mais aussi d'indépendance et de plaisir. Le cirque, c'est une aventure. Le cirque, ça s'apprend. Constitué de mille et un métiers, de l'avant-courrier au moucheur de chandelles, du trapéziste au gréeur acrobatique, il compose un univers à la fois familier et mystérieux.

Cet ouvrage entrouvre le rideau des coulisses, éclaire cette face secrète d'un monde en marche, en mutation permanente, en perpétuelle déconstruction pour mieux renaître à chaque étape de son périple.

Une histoire passionnante, qui nous fait voyager dans la vie de 4 personnages traversés par des destines qui se croisent, des vies marquées par le hasard.

Chacun, quel que soit son âge, pourra s'y reconnaître.

On reconnaît sa propre enfance, on reconnaît la vie de ses parents, de ses grand-parents ; on traverse l'histoire de son pays, des souvenirs gravés dans la mémoire collective, refoulés ou oubliés.

Il en va de la reconstruction de quatre vie par un simple jeu d'enfance... le jeu des cigognes !

Dès le début du festival d’Avignon en 1947, et plus tard au Théâtre National Populaire, Jean Vilar lui-même utilise le tableau de service comme un instrument de liaison, véritable moteur de l’entreprise. Ces feuillets, percés de trous d’épingles ou de punaises aux quatre coins, portent toute l’émotion, les joies, les colères, les lassitudes et les enthousiasmes d’une équipe d’hommes et de femmes partageant une aventure exceptionnelle.

Autour de quatre pièces majeures de V. Hugo, une exploration de l'évolution du regard photographique sur le théâtre hugolien depuis le XIXe siècle. Des photographies de théâtre, d'acteurs et de décors, comme celles de Nadar ou d'Etienne Carjat sont mises en correspondance avec différents regards modernes. Une place centrale est accordée à A. Varda qui a immortalisé les mises en scène de J. Vilar.

La transmission des œuvres performatives et chorégraphiques contemporaines soulève de vifs débats théoriques, esthétiques, politiques, institutionnels, pédagogiques, méthodologiques ou juridiques. Pratiques artistiques éphémères, engageant le corps, réalisées dans la perspective d'un rapport à un public, la performance et la danse contemporaine requièrent des modes de transmission procédant à la fois de l'archive et de la mémoire orale et corporelle. Ce double registre, dont les termes sont trop souvent pensés en opposition, explique pourquoi l'art de la performance et les œuvres chorégraphiques ont échappé jusque récemment aux institutions patrimoniales qui privilégient des approches archivistiques, documentaires et matérielles de la transmission.
Ce livre explore les pistes que des approches mémorielles de l'archive permettent d'ouvrir. Les reenactments sont abordés en tant qu'« archives performatives » qui instaurent une circulation entre les documents, les corps, les scripts, les récits d'expériences. Participant pleinement du fonctionnement esthétique des œuvres et de leurs reprises, la documentation devient moteur de création et suscite de multiples réactivations à travers des expositions, des performances, des sites Internet. De ces réévaluations émergent de nouvelles façons de concevoir les histoires des arts vivants, qu'il s'agisse d'herméneutiques des documents, de laboratoires historiographiques au sein d'expositions, de productions mémorielles au cœur des pratiques artistiques. Pour se développer, ces pratiques requièrent l'invention de structures hétérodoxes ou la convergence des institutions vouées à la culture matérielle et celles consacrées aux répertoires, sans pour autant écarter les dissensus et les frictions indispensables à une « pensée complexe » des phénomènes de transmission.

La comédie Fleurs de cactus, écrite par l'auteur avec J.-P. Grédy, est jouée avec succès une première fois à Paris en 1964, avec S. Desmarets. Elle est reprise à Broadway en 1965 avec L. Bacall et Ingrid Bergman est l'interprète de l'adaptation cinématographique, à Hollywood en 1969. Evocation de souvenirs autour de cette pièce et de ses interprètes, aujourd'hui reprise par C. Frot.

Si ce sont des textes d’écrivains qui ont inspiré ma danse, j’ai voulu ajouter entre leurs phrases ce qui ne pouvait pas être dit, ces gestes qui étaient imbibés de leurs mots et qui disparaissent. Rendre ces paroles aussi fugitives et éphémères qu’un geste.
Les écrits sont plus pertinents pour traverser le temps. Pourquoi alors écrire le geste, pourquoi devenir chorégraphe ?
J’ai travaillé face au miroir pour apprendre à décrypter un geste, puis j’ai abandonné le miroir pour regarder les mouvements des autres dans la vie de tous les jours, comme un anthropologue.

J’ai utilisé des caméras de toutes sortes qui m’ont permis de différencier ma vision d’un Narcisse pour laisser place à celle d’un Orphée ; l’important n’était plus ce que je voyais mais ce que je ressentais de l’intérieur.
Les images et les gestes sont devenus plus profonds et différents grâce à un décalage dans le temps et ont permis d’apercevoir l’image d’après son miroitement dans les sens.
Un travail d’orfèvre à ciseler un corps au plus proche de son âme.
Je possède des cahiers, remplis de notes et d’extraits de textes. Ils sont témoins, en plus de mes pièces, de mon existence.
J’ai créé plusieurs solos pour ensuite réaliser des pièces de groupes et pouvoir approcher et nourrir mes danseurs. Pour cela, j’ai toujours d’abord été seul en studio, sauf pour les derniers spectacles où des collaborateurs m’ont aidé à me questionner, tout simplement.
Je suis devenu plus épistolaire en écrivant mes pièces et cela à cause de mes départs.
Comme l’encre des écrivains sur le papier, j’ai dépensé pas mal de sueur et de sang avec mes interprètes. Tout cela est resté sur les planches des studios des théâtres, dans les rues, les cinémas, les jardins et aussi dans la mémoire des hommes et des femmes qui m’ont aidé à écrire cette traversée.
C’est dans cet esprit que je les ai conviés à « écrire les gestes ».
Transmettre et partager des passions, des vérités évanescentes.
Imprimer dans les mots les silences de nos gestes.

Moving Together clarifies the multiple stakes of contemporary dance through an original combination of dance studies and sociology. Along the way, he analyses the works of Anne Teresa De Keersmaeker, Meg Stuart, fieldworks and others, giving insights in recent developments in dance practices. Extensive dialogues with choreographers reveal the way artistic cooperation results in dance.

Dans la première pièce, Raymond, homme politique belge, attend que Jean-Pierre écrive son discours à la veille d'une élection ; vies privées et destins politiques s'imbriquent sur fond de crise économique et d'insatisfaction conjugale. La seconde pièce voit la rencontre de deux enfants du XXIe siècle, l'antimondialiste William et l'actrice shakespearienne Anna.