Ce livre reproduit les cours qu'a donné Stanislavski aux artistes du Théâtre Bolchoï (1918 à 1922).

A travers la méthode des «actions physiques», Stanislavski a ouvert à l'artiste une voie nouvelle, plus simple, plus courte et plus facile, lui apprenant comment donner des formes concrètes à toutes les connaissances que l'artiste a accumulées durant son existence. Et cette nouvelle voie - la base solide et essentielle de tous les succès de la création artistique - mène à un renouvellement constant et à un assainissement de l'art du ressenti théâtral.

Ces entretiens sont suivis de L'Ethique, qui est à l'origine un chapitre de son livre La Formation de l'acteur ; il retira ce chapitre de son livre, parce qu'il considérait la question abordée d'une telle importance, qu'il voulait lui consacrer un ouvrage entier. Ce texte se présente comme un brouillon. Il contient de nombreuses corrections, abréviations, ajouts. L'auteur intervertit des exemples, en raye certains, les rétablie de nouveau. On sait que les problèmes d'éthique théâtrale ont occupé Stanislavski dès ses débuts au théâtre. À la veille de sa mort, il était encore en train de corriger son texte.

1924 : après douze ans en Angleterre et quelques saisons de vie parisienne, au cours desquels il est passé d'une poésie encore très fin de siècle aux confins de dada, Pound s'installe en Italie. Et fait le point sur ses idées-froce : la poésie est universelle et commence avec la poésie chinoise ancienne (la méthode idéogrammatique, qui influera tant sur les Cantos); traduire, traduire encore, traduire toujours ('Tout âge prétendument grand est un âge de traductions'); apprendre à 'charger de sens au plus haut degré le langage'. Et tailler dru dans 'le business de la fioritura'... 'Je prie le lecteur d'observer que je suis extrêmement iconoclaste.' Le contraire eût été étonnant.

A l'occasion du quarantième anniversaire d ela mort d'Ezra Pound, voici une réédition de Comment lire dans une nouvelle traduction complète de Philippe Mikriammos, annotée et postfacée par ses soins.

Cet ouvrage s'attache à définir le nouveau paradigme de la forme dramatique qui, apparaissant dans les années 1880, se perpétue jusque dans les dramaturgies contemporaines. Un pont est ainsi jeté entre les premières pièces de la modernité du théâtre, celles d'Ibsen, Strindberg, Tchekhov, et les plus récentes, qu'il s'agisse des oeuvres de Heiner Müller, de Bernard-Marie Koltès ou de Jon Fosse. Jean-Pierre Sarrazac met en évidence la dimension rhapsodique du drame moderne : une forme ouverte, profondément hétérogène, où les modes dramatique, épique et lyrique, voire argumentatif (le dialogue philosophique contaminant le dialogue dramatique) ne cessent de s'ajointer ou de se chevaucher. Loin de souscrire aux idées de «décadence» (Lukács), d'obsolescence (Lehmann) ou de mort du drame (Adorno), Poétique du drame moderne dessine les contours, toujours en mouvement, d'une forme la plus libre possible, mais qui n'est pas l'absence de forme.

Serpents à sornettes : Un tailleurs vient réclamer le paiement d'un costume commandé par Dieu. De fil en aiguille il devient le tailleur officiel de l'entreprise divine. Mais les affaires du Seigneur sont-elles au-dessus de tout soupçon ?
Chaos manager : Au petit matin une femme de ménage et une cadre supérieure font connaissance dans les bureaux de leur entreprise. Tout semble les opposer : l'une rêve de réincarnation, l'autre de management by wandering around. Une macabre découverte mettra fin à leurs échanges...

Né en 1944, Jean-Marie Piemme a suivi des études de littérature à l'université de Liège et de théâtre à l'Institut d'études théâtrales (Paris-III- Sorbonne Nouvelle). Dramaturge à l'Ensemble théâtral mobile, il collabore ensuite avec le théâtre Varia à Bruxelles. De 1983 à 1988, il rejoint l'équipe de Gérard Mortier à l'Opéra national de Belgique. Actuellement, il enseigne l'histoire des textes dramatiques à l'Institut national supérieur des arts du spectacles de Bruxelles (INSAS). Il a écrit plus d'une trentaine de pièces jouées en Belgique et à l'étranger dont plusieurs sont éditées chez Actes Sud-Papiers.

Tour à tour conteur céleste, coryphée des caniveaux, pythie des temps modernes, apaisé par la sagesse orientale mais veilleur inlassable des injustices du monde, Pippo Delbono fait danser les mots comme des corps enfiévrés. Il capte les phrases des poètes, Rimbaud, Pasolini, Artaud, Chaplin, Kane et tant d'autres, pour inventer son propre monde, épique et intime à la fois. Un univers peuplé d'apparitions et de fantômes, qui nous entraîne aux limites de l'humaine nature. Souvent, les récits qu'il nous offre sont marqués du sceau de sa propre vie, ses souffrances, ses colères, ses amours, mais ils ne nous parviendraient pas si puissamment s'ils n'étaient pas portés par son étonnante troupe d'acteurs hors normes, marqués par la vie, acteurs de leur propre histoire. Mais la grande force de Pippo Delbono, léger et grave, poétique et politique, est de nous faire partager son histoire, qui nous regarde et nous apprend beaucoup sur les nôtres.

Pippo Delbono fut un jour invité à intervenir en conférence à Rome pour parler de l'amour. De là sont nés ces Récits de juin, confidences et retours sur sa vie, ses rencontres et ses luttes, toujours un pied sur scène, l'autre en coulisses, qu'il délivre ici, entre pudeur et fureur, gravité et humour.

Auteur, acteur et metteur en scène étonnant, un des chefs de file du théâtre populaire italien. Pippo Delbono offre ainsi, à travers des photographies personnelles, une des plus belles incarnations de son travail : un théâtre conçu en toute liberté et vécu comme acte d'amour.

Miss Knife n'est pas un mais cinq, elle est une bande, plus que jamais. Elle est piano, batterie, contrebasse, saxophone ou flûte, et voix. Du personnage de cabaret dans le premier album, nous sommes arrivés à la chanteuse de music-hall, et pour ce faire il fallait la puissance de musiciens hors pair, l'énergie jamais en défaut, l'élan d'une gifle ou la douceur d'une caresse de la main. De la scène, du jazz, du rock, du classique ou de l'électro, Olivier Bernard, Julien Jolly, Stéphane Leach, Sébastien Maire ont goûté à tout pour savoir habiller de musique la Miss. O. P.

L'acteur travesti vient du fond des âges. Il apparaît très tôt, dans toutes les cultures. Parce que l'homme a interdit l'espace public à la femme, il a été amené historiquement, en Occident comme en Orient, à prendre sa place. Chantal Aubry puise à des exemples particulièrement représentatifs au fil des siècles et des continents pour interroger les mécanismes de cette éviction et de cette sublimation, jusqu'à son renversement par une revendication transgenre généralisée dont le monde du spectacle vivant est, avec celui de la mode, l'une des pointes avancées. Du travesti contraint au travesti émancipateur, sur une riche iconographie rassemblée par Eve Zheim, c'est la condition des femmes dans des sociétés d'hommes faites pour les hommes qui est ici en question.

'En France, on a très peu de littérature concernant l'apprentissage du scénario... A moins de revenir à La Poétique d'Aristote, on ne trouve qu'un équivalent à la littérature anglo-saxonne en la matière : La Dramaturgie d'Yves Lavandier.' Jacques Audiard

'La Dramaturgie m'a ouvert les yeux sur les principes qu'on emploie sans jamais les avoir formalisés. Il m'a aidé à aller plus vite à la source des problèmes que l'on rencontre dans l'élaboration du scénario.' Thierry Lhermitte

'En décrivant et expliquant les mécanismes du récit, La Dramaturgie nous donne encore plus le goût des histoires. C'est comme un bon livre de cuisine : il ne faut pas nécessairement en suivre toutes les indications mais il donne envie à chaque page... Envie de lire, d'écrire ou de filmer. C'est donc un livre important et généreux.' Pierre Salvatori

'...je me suis sentie comme M. Jourdain : ainsi, depuis tout ce temps, je fais du Lanvandier !' Danièle Thompson

'Le livre d'Yves Lavandier est le travail le plus complet et le plus ardu qu'on ait fait sur le scénario en France depuis que la discipline existe. C'est, sans nul doute, un livre nécessaire pour tous les professionnels. Mais il y a plus : derrière cette traque catégorique de la qualité et de la construction, se cache un formidable amour du cinéma et du récit dramatique en général.' Francis Veber

Walzer est un extrait de la pièce du même nom de Pina Bausch. Elle a été créée, à l'été 1982, au Théâtre Carré à Amsterdam et enregistrée à l'automne de là même année, sous la direction de la chorégraphe, au théâtre de Wuppertal. Quand, en 1986, le Norddeutsche Rundfunk de Hambourg s'intéresse à l'oeuvre, Pina Bausch a sélectionné et monté le matériau et ainsi est né le film Walzer.