Né en 1984 d'un groupe de musiciens, bonimenteurs et jongleurs franc-comtois 'de rue', Cirque Plume fut parmi les pionniers qui révolutionnèrent les arts de la piste. Dévoilant les processus de création et la vie de compagnie, Bernard Kudlak, directeur artistique, évoque ici ce parcours poétique et singulier entre codes du cirque, du théâtre et de la musique.
Il n'existait aucun ouvrage sur le travail théâtral de Claude Régy, qui a commencé dans les années 1950 et a connu plusieurs métamorphoses, dont aucune n'est passée inaperçue. On retient en général de ce metteur en scène qu'il a créé en France les pièces de Pinter, puis celles de Bond, Handke, Botho Strauss, Gregory Motton, Jon Fosse, qu'il a fait connaître l'oeuvre dramatique de Marguerite Duras et Nathalie Sarraute, redécouvrir Maeterlinck, ou encore l'Ancien Testament dans la traduction de Henri Meschonnic. Sur la dimension proprement scénique de sa création, on ne pouvait lire que quelques études, dispersées, alors que cet artiste est devenu une référence, un pôle critique et polémique, au fur et à mesure qu'il se singularisait et se radicalisait.
Nourri de témoignages et d'archives privées et publiques, le présent ouvrage a été réalisé au CNRS, dans le cadre du LARAS, puis d'ARIAS. Il dissipe la représentation essentialisée d'une oeuvre souvent restreinte à sa dernière période et dessine un itinéraire complexe, irréductible à tout schéma linéaire, croisant des acteurs parmi les plus célèbres et les institutions théâtrales qui ont structuré la pratique de ce temps, du Théâtre Hébertot aux Ateliers Berthier en passant par le Théâtre Antoine, le TNP, le Théâtre Renaud-Barrault, plus exceptionnellement le cinéma et la radio.
L'élaboration méthodique d'un « espace mental », l'effort pour articuler l'écoute et la vision, la place conférée à l'acteur dans cet exercice, la volonté souvent explicitée de faire « travailler » le spectateur installé dans un temps ralenti nous ont amenés à situer ce théâtre - dont le metteur en scène lui-même doute qu'il corresponde à la définition usuelle du mot - dans une histoire qui n'est pas exactement celle des arts du spectacle, mais celle, séculaire, des usages éthiques des textes et des images.
Le DVD-ROM joint au volume, riche d'une centaine de photographies, de nombreux matériaux graphiques et manuscrits, de documents sonores, radiophoniques et audiovisuels inédits, ne constitue pas une simple annexe illustrative. Deux navigations y sont proposées, qui permettent l'exploration d'un demi- siècle de théâtre français à partir du cheminement personnel de Claude Régy, ainsi qu'une réflexion en acte sur la mémoire du théâtre et les modes de rapports possibles entre les images fixées et les images mémorielles.
4ème de couverture
Quand nos auteurs de théâtre prennent la pose et s'exposent...
Tout le monde a, un jour, rêvé d'être un autre, de se sentir plus proche de son imaginaire.
Ce défi a été proposé à vingt auteurs dramatiques de la Communauté française Wallonie-Bruxelles. Et s'ils l'ont relevé, ce n'est pas uniquement par envie de laisser libre cours à une imagination qui d'habitude les déborde, mais simplement par désir de créer une mise en scène d'eux-mêmes, de devenir à leur tour leurs personnages.
L'idée est née, entre Emile Lansman et la photographe Alice Piemme, de jeter un coup de projecteur (et d'objectif), à la fois original et affectif, sur vingt de nos écrivains de théâtre choisis par l'artiste au gré de ses rencontres et affinités. Ce projet s'est concrétisé en une exposition photographique de portraits de dramaturges contemporains, mis en scène au présent et, en écho, de personnages mythiques ou légendaires qu'on reconnaît ou qu'on s'invente.
Une belle façon de susciter l'envie de découvrir nos dramaturges et de (re)découvrir leurs oeuvres.
Outre la, fascination d'une mise en scène d'eux-mêmes, nos auteurs se dévoileront également dans un extrait choisi de leurs écrits, une réflexion sur leur rapport à l'écriture, au théâtre, au monde d'aujourd'hui, ainsi qu'une dédicace accompagnant leur photographie.
Quels principes techniques ont en commun acteurs et danseurs de diverses cultures ? En quoi consiste la présence d'un acteur/danseur ? Quelle est la différence entre le comportement physique et mental d'un acteur/danseur sur scène et celui qui est le sien dans sa vie quotidienne ? Est-il possible d'étudier comment se caractérisent la force d'attraction d'un acteur/danseur et sa capacité de capturer l'attention du spectateur.
Avec l'aide de l'anthropologie théâtrale (étude du comportement de l'être humain en situation de représentation) et plus de huit cents illustrations, c'est à ces questions que ce livre tente de répondre. Il existe un art secret de l'acteur/danseur. Il existe des «principes qui reviennent» qui sont à la base de sa présence scénique en diverses cultures et époques. Il ne s'agit pas des recettes mais des points de départ qui permettent aux qualités individuelles de devenir, à travers une créativité technique, une expression artistique efficace dans le contexte de l'histoire de chacun.
«Ce livre sur les techniques du jeu théâtral est le plus important après celui de Jerzy Grotowski Pour un théâtre pauvre.» (Journal of Dramatic Theory and Criticism, USA)
«Un travail extraordinaire qui présente, explique et ressuscite 2 500 ans d'histoire sur les pratiques du travail d'acteur. Un ouvrage de référence riche de suggestions.» (Theatreport.com)
«C'est un livre qu'il faut toujours garder à portée de main, pour le savourer... Il offre une richesse et une abondance d'informations sur le jeu de l'acteur/danseur qu'on ne peut trouver nulle part ailleurs.» (Stephen Barker, Gestos, USA)
Cette seconde édition revue et augmentée contient :
De 1994 à 2007, à travers trois spectacles aux tournées internationales, ce collectif de trapézistes atypiques et exigeants a radicalement transformé la pratique de l'acrobatie aérienne, la représentation du trapèze et sa perception par le public. Porteurs d'un nouvel 'esprit de l'air', ils transmettent ici leur passion de voler et leur parti pris artistique.
'J'aime que le texte me quitte, ne serait-ce que parce que je vais pouvoir commencer le suivant. Je trouve réjouissant qu'un texte trouve sa vie en dehors de moi. Je n'ai pas d'attitude protectrice envers lui. Le texte n'est pas l'expression de moi-même au sens romantique du terme. J'y suis présent comme un joueur masqué qui multiplie ses masques. En écrivant, je ne m'éclaire pas, je me brouille'.
En dix chapitres comme autant de haltes dans son parcours d'auteur, dans un dialogue ouvert avec Antoine Laubin, Jean-Marie Piemme nous conduit dans la cuisine de son écriture, évoque ses textes, leur construction, les comédiens, les metteurs en scène qui les ont travaillés, leur réception et la conception générale du théâtre qui les porte.
Tragedia Endogonidia est le titre d'un cycle de onze spectacles composé entre 2002 et 2004 par Romeo Castellucci avec la Sociètas Raffaello Sanzio, une des compagnies les plus représentatives de la scène théâtrale internationale.
Comme un petit théâtre de la mémoire, Itinera est une stratégie d'approche, un moyen de pénétrer à l'intérieur du système, une manière d'interroger le processus des travaux de la Tragedia Endogonidia. Il en résulte une géographie de sensations, d'espaces, de visions, de forces et de formes, qui ont traversé comme un courant le processus de composition des épisodes du cycle.
Les chapitres approfondissent les thématiques qui s'entrecroisent d'un spectacle à l'autre. Par le biais des photographies de Luca Del Pia, Enrico Pitozzi et Annalisa Sacchi proposent ici une sismographie de la Tragedia Endogonidia, la possibilité de faire surgir de la page, pour un instant, la trace mémorielle du mouvement de son corps en fuite.
A travers la relation très particulière que Jean-Luc Lagarce entretient avec son journal se dessine le portrait d'un homme qui consacre sa vie au théâtre et se projette dans l'éternité de l'oeuvre, apostrophant au-delà de sa disparition le lecteur. C'est le feuilleton avec Théâtre Ouvert, ses espoirs, ses déceptions, ses rebondissements. Le feuilleton de sa maladie, sept années de doute, de lutte et de courage. Le feuilleton de ses mises en scène, ses succès comme ses échecs désespérants. C'est surtout le feuilleton de son écriture, de ses interrogations permanentes sur sa capacité à devenir un écrivain. F. B.
« Yoshi Oida pose les questions essentielles : qui suis-je ? Comment vivre et jouer ? Comment partir ? Il évoque des contes orientaux, cite des conseils des vieux maîtres, rappelle les remarques de Péter Brook, dont il reste le plus proche collaborateur. De cette expérience d'acteur singulier, Yoshi Oida part pour réfléchir sur son art qui réclame entraînement et vision de son corps, éthique de vie autant qu'éthique professionnelle. Voici le livre d'un acteur lucide et expert, qui dispense les conclusions ultimes, résultat d'une vie vécue entre Orient et Occident, entre le désir de maîtrise et celui de plaire. Au-delà des exercices et des ruses, des commentaires sur les masques et les fantômes, des principes de jeu et des pièges à éviter, disséminés avec légèreté à travers ces pages, Yoshi Oida clôt dignement la biographie d'un être qui n'a pas connu l'égarement et a su faire du théâtre un lieu de l'accomplissement. En ce sens, il est unique. » Georges Banu
J'aime pas le temps qu'il fait, quel que soit le temps j'aime pas, j'aime pas le temps en général, le climat j'aime pas. J'aime pas la pluie. J'aime pas le Soleil. J'aime pas les nuages. J'aime pas quand y'a pas de nuages. J'aime pas non plus les gens qui n'aiment rien.
